“I am not interested in myself as a subject for painting, but in others, particularly women…”Beautiful, sensuous and above all erotic, Gustav Klimt’s paintings speak of a world of opulence and leisure, which seems aeons away from the harsh, post-modern environment we live in now. The subjects he treats – allegories, portraits, landscapes and erotic figures – contain virtually no reference to external events, but strive rather to create a world where beauty, above everything else, is dominant. His use of colour and pattern was profoundly influenced by the art of Japan, ancient Egypt, and Byzantium. Ravenne, the flat, two-dimensional perspective of his paintings, and the frequently stylised quality of his images form an oeuvre imbued with a profound sensuality and one where the figure of woman, above all, reigns supreme. Klimt’s very first works brought him success at an unusually young age. Gustav, born in 1862, obtained a state grant to study at Kunstgewerbeschule (the Vienna School of Arts and Crafts) at the age of fourteen. His talents as a draughtsman and painter were quickly noticed, and in 1879 he formed the Künstlercompagnie (Artists’ Company) with his brother Ernst and another student, Franz Matsch. The latter part of the nineteenth century was a period of great architectural activity in Vienna. In 1857, the Emperor Franz Joseph had ordered the destruction of the fortifications that had surrounded the medieval city centre. The Ringstrasse was the result, a budding new district with magnificent buildings and beautiful parks, all paid for by public expenses. Therefore the young Klimt and his partners had ample opportunities to show off their talents, and they received early commissions to contribute to the decorations for the pageant organised to celebrate the silver wedding anniversary of the Emperor Franz Joseph and the Empress Elisabeth. In 1894, Matsch moved out of their communal studio, and in 1897 Klimt, together with his closest friends, resigned from the Künstlerhausgenossenschaft (the Cooperative Society of Austrian Artists) to form a new movement known as the Secession, of which he was immediately elected president. The Secession was a great success, holding both a first and second exhibition in 1898. The movement made enough money to commission its very own building, designed for it by the architect Joseph Maria Olbrich. Above the entrance was its motto: “To each age its art, to art its freedom.” From around 1897 onward, Klimt spent almost every summer on the Attersee with the Flöge family. These were periods of peace and tranquillity in which he produced the landscape paintings constituting almost a quarter of his entire oeuvre. Klimt made sketches for virtually everything he did. Sometimes there were over a hundred drawings for one painting, each showing a different detail – a piece of clothing or jewellery, or a simple gesture. Just how exceptional Gustav Klimt was is perhaps reflected in the fact that he had no predecessors and no real followers. He admired Rodin and Whistler without slavishly copying them, and was admired in turn by the younger Viennese painters Egon Schiele and Oskar Kokoschka, both of whom were greatly influenced by Klimt.

Klimt

Born in 1860 in a small Czech town, Alphonse Mucha (1860-1939) was an artist on the forefront of Art Nouveau, the modernist movement that swept Paris in the 1910s, marking a return to the simplicity of natural forms, and changing the world of art and design forever. In fact, Art Nouveau was known to insiders as the “Mucha style” for the legions of imitators who adapted the master’s celebrated tableaux. Today, his distinctive depictions of lithe young women in classical dress have become a pop cultural touchstone, inspiring album covers, comic books, and everything in between. Patrick Bade and Victoria Charles offer readers an inspiring survey of Mucha’s career, illustrated with over one hundred lustrous images, from early Parisian advertisements and posters for Sandra Bernhardt, to the famous historical murals painted just before his death, at the age of 78, in 1939.

Mucha

Alphonse Mucha

Gustav Klimt

Edvard Munch, born in 1863, was Norway's most popular artist. His brooding and anguished paintings, based on personal grief and obsessions, were instrumental in the development of Expressionism. During his childhood, the death of his parents, his brother and sister, and the mental illness of another sister, were of great influence on his convulsed and tortuous art. In his works, Munch turned again and again to the memory of illness, death and grief. During his career, Munch changed his idiom many times. At first, influenced by Impressionism and Post-impressionism, he turned to a highly personal style and content, increasingly concerned with images of illness and death. In the 1892s, his style developed a ‘Synthetist' idiom as seen in The Scream (1893) which is regarded as an icon and the portrayal of modern humanity's spiritual and existential anguish. He painted different versions of it. During the 1890s Munch favoured a shallow pictorial space, and used it in his frequently frontal pictures. His work often included the symbolic portrayal of such themes as misery, sickness, and death. and the poses of his figures in many of his portraits were chosen in order to capture their state of mind and psychological condition. It also lends a monumental, static quality to the paintings. In 1892, the Union of Berlin Artists invited Munch to exhibit at its November exhibition. His paintings invoked bitter controversy at the show, and after one week the exhibition closed. In the 1930s and 1940s, the Nazis labeled his work “degenerate art”, and removed his works from German museums. This deeply hurt the anti-fascist Munch, who had come to feel Germany was his second homeland. In 1908 Munch's anxiety became acute and he was hospitalized. He returned to Norway in 1909 and died in Oslo in 1944.

Munch

From the Antiquity to the 20th century, this sculpture collection offers a truly original vision of Western art. Here are the most sensual and harmonious masterworks to the most provocative and minimalist sculptures. Sculpture shapes the world and our concept of beauty, leaving everlasting silhouettes and always creating new intriguing ones. These masterworks are the mirror of an era, of an artist and his public and through this sculpture gallery, one visits not only the history of art, but history as a whole. Between the acclaimed ideals of beauty and the most controversial works, 1000 Sculptures of Genius will give you a true panoramic view of Western sculpture. Along with numerous references, comments on masterworks, and biographies, this work enables the reader to rediscover the Western world heritage and is the perfect guide for art students and statuary lovers.

1000 Sculptures of Genius

From its prehistoric origins to the conceptual modernity of the 21st century, sculpture has literally and figuratively moulded the art world. Offering an integral view at its evolution of form across civilisations and epochs, this work presents the masterpieces of sculpture that, with their timeless silhouettes, have shaped the current notion of beauty. Full of reflection on various eras, artists, and their times, this gallery in high relief presents numerous references, commentaries on works, and artist biographies. 30 Millennia of Sculpture opens the door to history and art, making it an ideal guide for both students and neophytes.

30 Millennia of Sculpture

The smoothly metallic portraits, nudes and still lifes of Tamara de Lempicka encapsulate the spirit of Art Deco and the Jazz Age, and reflect the elegant and hedonistic life-style of a wealthy, glamorous and privileged elite in Paris between the two World Wars. Combining a formidable classical technique with elements borrowed from Cubism, Lempicka’s art represented the ultimate in fashionable modernity while looking back for inspiration to such master portraitists as Ingres and Bronzino. This book celebrates the sleek and streamlined beauty of her best work in the 1920s and 30s. It traces the extraordinary life story of this talented and glamorous woman from turn of the century Poland and Tsarist Russia, through to her glorious years in Paris and the long years of decline and neglect in America, until her triumphant rediscovery in the 1970s when her portraits gained iconic status and world-wide popularity.

Lempicka

Burne-Jones’ oeuvre can be understood as an attempt to create in paint a world of perfect beauty, as far removed from the Birmingham of his youth as possible. At that time Birmingham was a byword for the dire effects of unregulated capitalism – a booming, industrial conglomeration of unimaginable ugliness and squalor. The two great French symbolist painters, Gustave Moreau and Pierre Puvis de Chavannes, immediately recognised Burne-Jones as an artistic fellow traveller. But, it is very unlikely that Burne-Jones would have accepted or even, perhaps, have understood the label of ‘symbolist’. Yet he seems to have been one of the most representative figures of the symbolist movement and of that pervasive mood termed “fin-de-siecle”. Burne-Jones is usually labelled as a Pre-Raphaelite. In fact he was never a member of the Brotherhood formed in 1848. Burne-Jones’ brand of Pre-Raphaelitism derives not from Hunt and Millais but from Dante Gabriel Rossetti. Burne-Jones’ work in the late 1850s is, moreover, closely based on Rossetti’s style. His feminine ideal is also taken from that of Rossetti, with abundant hair, prominent chins, columnar necks and androgynous bodies hidden by copious medieval gowns. The prominent chins remain a striking feature of both artists’ depictions of women. From the 1860s their ideal types diverge. As Rossetti’s women balloon into ever more fleshy opulence, Burne-Jones’ women become more virginal and ethereal to the point where, in some of the last pictures, the women look anorexic. In the early 1870s Burne-Jones painted several mythical or legendary pictures in which he seems to have been trying to exorcise the traumas of his celebrated affair with Mary Zambaco. No living British painter between Constable and Bacon enjoyed the kind of international acclaim that Burne-Jones was accorded in the early 1890s. This great reputation began to slip in the latter half of the decade, however, and it plummeted after 1900 with the triumph of Modernism. With hindsight we can see this flatness and the turning away from narrative as characteristic of early Modernism and the first hesitant steps towards Abstraction. It is not as odd at it seems that Kandinsky cited Rossetti and Burne-Jones as forerunners of Abstraction in his book, “Concerning the Spiritual in Art”.

Burne-Jones

Egon Schiele  werd geboren in Tulln op 12 juni 1890 en stierf in Wenen op 31 oktober 1918. Hij was een Oostenrijks expressionistisch kunstschilder. Zowel zijn grootvader als zijn vader werkten bij de spoorwegen. Een loopbaan bij de spoorwegen had voor de hand gelegen, maar Schiele ging tegen de oorspronkelijke wens van zijn moeder en zijn voogd naar de kunstacademie, waar hij overigens matige resultaten behaalde. De werken van Egon Schiele zijn expressionistisch en behoren tot de schilderstijl Sezession. De tekeningen en schilderijen van Schiele zijn voornamelijk afbeeldingen van mensen. In beperkte mate heeft Schiele stadsgezichten en landschappen geschilderd. Door het sterke gebruik van lijnen kan Schiele eerder als een tekenaar dan als een schilder gezien worden. Kleur in de schilderijen wordt pas achteraf aangebracht, als de tekening af is. Het kleurgebruik versterkt echter wel de vervreemdende werking in hoge mate. De schilderijen van Schiele doen denken aan die van Kokoschka maar hebben ook een kubistisch karakter.

Schiele

Gustav Klimt werd geboren op 14 juli 1862 en stief in Wenen op 6 februari 1918. Hij was een Oostenrijkse symbolistische schilder en een van de meest prominente leden van de Wiener Sezession, de Weense jugendstilbeweging. Klimt werd geboren in de buurt van Wenen in een armoedig gezin. Zijn vader was goudgraveerder. Misschien heeft dit Klimt beïnvloed bij zijn gebruik van goud in zijn schilderijen. In zijn begintijd werd het werk van Klimt niet gewaardeerd door de gevestigde orde, die zijn schilderijen pornografisch vond. Om zich af te zetten tegen de traditionele opvattingen richtte Klimt de Wiener Secession op, de Oostenrijkse variant van de jugendstil of de modern style. Gustav Klimts werk bestaat vooral uit schilderijen, maar hij heeft ook muurschilderingen, tekeningen en collages vervaardigd.

Alphonse Mucha and artworks

Sir Edward Burne-Jones (1833–1898) was a master of drawing, painted glass and ceramic art. Little concerned with the details of daily reality, he probed medieval literature for new themes and produced works that idolize Victorian values and the Englishwoman. Burne-Jones was the epitome of politically correct licentiousness, as a recent London exhibition made delightfully plain to all.

Edward Burne-Jones: Art and intrigue

Born in 1872, Aubrey Beardsley was, along with Oscar Wilde, an emblematic figure of the decadence that marked the end of Queen Victoria's reign. Largely self-taught, Beardsley's drawings initially show the influence of the Pre-Raphaelites, such as Burne-Jones and Rossetti. Later, he adopted a more radical and innovative style, illustrating Sir Thomas Malory's Le Morte d'Arthur and participating in the creation of The Yellow Book magazine. But it was through his dark and erotic drawings, notably for Oscar Wilde's Salome, that he best evoked the troubled atmosphere of the time. Stricken with tuberculosis, Beardsley died prematurely at the age of 25. He left behind numerous illustrations, which had a great influence on the artists of Art Nouveau. The Author: With an original layout, Patrick Bade explores the equivocal universe of Beardsley, the "fin de siècle" artist par excellence. Through illustrations that shocked his contemporaries, the draughtsman boldly defied Victorian morality to become a privileged witness of his time.

Aubrey Beardsley

Ornans, Courbet’s birthplace, is near the beautiful valley of the Doubs River, and it was here as a boy, and later as a man, that he absorbed the love of landscape. He was by nature a revolutionary, a man born to oppose existing order and to assert his independence; he had that quality of bluster and brutality which makes the revolutionary count in art as well as in politics. In both directions his spirit of revolt manifested itself. He went to Paris to study art, yet he did not attach himself to the studio of any of the prominent masters. Already in his country home he had had a little instruction in painting, and preferred to study the masterpieces of the Louvre. At first his pictures were not sufficiently distinctive to arouse any opposition, and were admitted to the Salon. Then followed the Funeral at Ornans, which the critics violently assailed: “A masquerade funeral, six metres long, in which there is more to laugh at than to weep over.” Indeed, the real offence of Courbet’s pictures was that they represented live flesh and blood. They depicted men and women as they really are and realistically doing the business in which they are engaged. His figures were not men and women deprived of personality and idealised into a type, posed in positions that will decorate the canvas. He advocated painting things as they are, and proclaimed that la vérité vraie must be the aim of the artist. So at the Universal Exposition of 1855 he withdrew his pictures from the exhibition grounds and set them in a wooden booth, just outside the entrance. Over the booth he posted a sign with large lettering. It read, simply: “Courbet – Realist.” Like every revolutionary, he was an extremist. He ignored the fact that to every artist the truth of nature appears under a different guise according to his way of seeing and experiencing. Instead, he adhered to the notion that art is only a copying of nature and not a matter also of selection and arrangement. In his contempt for prettiness Courbet often chose subjects which may fairly be called ugly. But that he also had a sense of beauty may be seen in his landscapes. That sense, mingled with his capacity for deep emotion, appears in his marines – these last being his most impressive work. Moreover, in all his works, whether attractive or not to the observer, he proved himself a powerful painter, painting in a broad, free manner, with a fine feeling for colour, and with a firmness of pigment that made all his representations very real and stirring.

Gustave Courbet and artworks

Felicien Rops (1833-1898) is a very surprising artist. Engraver and drawer of exception, Felicien Rops captures and anticipates, with astonishing talent, the female body with great modernity. Abandoning the conventional forms of the time, the artist creates a world full of humour, tenderness and, at times, insolence for the jubilation of the spectator's eye. Many of Rops' most famous works dealt with erotic and sensual themes, often depicting nudes or scenes of debauchery. He also frequently incorporated elements of the supernatural and the macabre, such as skeletons or demons, into his works. Some of his pieces were overtly political or social in nature, often criticizing the hypocrisy of the Church or the bourgeoisie. Overall, Rops' art is complex, multifaceted, and often confrontational. It challenged societal norms and pushed the boundaries of what was considered acceptable in art during his time.

Felicien Rops

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) is one of the most famous French impressionist painters. Influenced in his early works by Raphael, and creator of more than 6,000 paintings, Renoir gave more importance to the human figure than to the landscape. His works, enriched by a palette that was exclusive and unique to the artist, show us life in Paris at the time. His greatest masterpiece remains the Bal du Moulin de la Galette.

Auguste Renoir

Lempicka and artworks

Entre courbes et contre-courbes, Mucha créa, à la fin du XIXe siècle, une égérie nouvelle qui devait hanter les rues de Paris. Au fil des représentations de Sarah Bernhard, cette muse voluptueuse devint un véritable emblème de l'Art nouveau et offrit à l'affichiste succès et renommée. Néanmoins, le talent de l'artiste ne se limita jamais à la lithographie. Nourri par cette passion d'exalter, au mieux, la sensualité du monde qui l'entourait, l'art de Mucha, s'exprima indifféremment tant sur les monumentaux panneaux décoratifs des salles à manger que sur les petites pièces délicates de porcelaine. C'est toute la richesse et la variété de cet artiste fin-de-siècle que nous fait redécouvrir ici l'auteur.

Edvard Munch (Løten, 1863 – Ekely, 1944) Munch peut être considéré comme le pionnier de l'expressionnisme dans la peinture moderne. Il a bénéficié tôt de la réputation d'un artiste d'une nouvelle époque marquante en Allemagne et en Europe centrale, et aujourd'hui son oeuvre et son statut sont depuis longtemps reconnus dans toute l'Europe et le monde. Les oeuvres de Munch les plus connues sont celles des années 1890, notamment Le Cri. La fréquentation dans la deuxième moitié des années 1880 de Jæger (auteur norvégien) et de son cercle d'anarchistes radicaux marque un tournant décisif dans la vie de Munch et est la source d'une mutation et d'un conflit interne. A l'automne 1889 Munch a droit à une grande exposition de ses oeuvres à Christiana, où l'État lui accorde une bourse d'artiste pour 3 ans. Paris, où il devient pour un moment l'élève de Léon Bonnat, est une destination logique. Mais l'impulsion la plus importante, il la ressent en s'orientant dans la vie artistique de la ville. C'est à cette époque que perce un mouvement post-impressionniste avec plusieurs expériences anti- aturalistes. Dans ses tableaux dominent les grandes lignes courbes et les zones de couleurs homogènes, une implification et une stylisation utilisée par Paul Gauguin et les synthétistes français. «Symbolisme - la nature a été formée dans une ambiance morale » écrit Munch. A l'automne 1892 Munch présente les fruits de son séjour français. A la suite de cette exposition il est invité par le «club d'art de Berlin » (Berlines Kunstverein), où ces mêmes oeuvres doivent être exposées. Mais cela finit par un cauchemardesque «succès de scandale ». Le public et les vieux peintres comprennent Munch comme une provocation anarchiste, et l'exposition est fermée à cause de la protestation.

De l’Antiquité jusqu’au XXe siècle, cette collection de sculptures offre une vision véritablement originale de l’art occidental. Sont représentées ici les œuvres les plus sensuelles, les plus harmonieuses, jusqu'aux plus provocantes et minimalistes. La sculpture modèle le monde ainsi que notre concept de la beauté, créant sans cesse des silhouettes intemporelles. Ces chefs-d’œuvre sont le miroir d’une époque, d’un artiste et de son public. A travers cette galerie de sculptures, nous visitons non seulement l’histoire de l’art, mais également l’Histoire. Avec de nombreuses références, des commentaires d'œuvres et des biographies, l’ouvrage 30 Millénaires Sculpture permet au lecteur de redécouvrir le patrimoine occidental et constitue un guide idéal pour les étudiants et les amateurs d’art.

1000 Sculptures

Né en 1872, Aubrey Beardsley fut, avec Oscar Wilde, une figure emblématique de la décadence qui marqua la fin du règne de la reine Victoria. Largement autodidacte, Beardsley témoigne d’abord dans ses dessins de l’influence des Préraphaélites, comme Burne-Jones et Rossetti. Par la suite, il adopte un style plus radical et novateur, en illustrant Le Morte d'Arthur de Sir Thomas Malory et participe à la création de la revue The Yellow Book. Mais c’est à travers ses dessins sombres et érotiques, notamment pour Salomé d’Oscar Wilde, qu’il évoqua au mieux l’atmosphère trouble de l’époque. Atteint de tuberculose, Beardsley connut une mort prématurée à l’âge de 25 ans. Il laissa derrière lui de nombreuses illustrations, qui eurent une grande influence sur les artistes de l’Art Nouveau. Servi par une mise en page originale, Patrick Bade explore ici l’univers équivoque de Beardsley, artiste "fin de siècle" par excellence. A travers des illustrations qui choquèrent ses contemporains, le dessinateur défia hardiment la morale victorienne, pour devenir un témoin privilégié de son époque.

Félicien Rops (1833-1898) est un artiste très surprenant. Graveur et dessinateur d'exception, Félicien Rops capte et anticipe le corps féminin avec un talent étonnant et une grande modernité. Abandonnant les formes conventionnelles de l'époque, l'artiste crée un monde plein d'humour, de tendresse et, parfois, d'insolence pour la jubilation de l'œil du spectateur. Nombre des œuvres les plus célèbres de Rops traitent de thèmes érotiques et sensuels, représentant souvent des nus ou des scènes de débauche. Il a également souvent incorporé des éléments surnaturels et macabres, tels que des squelettes ou des démons, dans ses œuvres. Certaines de ses œuvres étaient ouvertement politiques ou sociales, critiquant souvent l'hypocrisie de l'Église ou de la bourgeoisie. Dans l'ensemble, l'art de Rops est complexe, multiforme et souvent contradictoire. Il a défié les normes sociétales et a repoussé les limites de ce qui était considéré comme un art acceptable à son époque.

Félicien Rops

Entre courbes et contre-courbes, Mucha créa, à la fin du XIXe siècle, une égérie nouvelle qui devait hanter les rues de Paris. Au fil des représentations de Sarah Bernhard, cette muse voluptueuse devint un véritable emblème de l'Art nouveau et offrit à l'affichiste succès et renommée. Néanmoins, le talent de l'artiste ne se limita jamais à la lithographie. Nourri par cette passion d'exalter, au mieux, la sensualité du monde qui l'entourait, l'art de Mucha, s'exprima indifféremment tant sur les monumentaux panneaux décoratifs des salles à manger que sur les petites pièces délicates de porcelaine. C'est toute la richesse et la variété de cet artiste fin-de-siècle que nous fait redécouvrir ici l'auteur.

Alphonse Mucha et œuvres d'art

Gustav Klimt (Baumgarten, 1862 – Vienne, 1918) «Faire un autoportrait ne m'intéresse pas. Les sujets de peinture qui m'intéressent ? Les autres et en particulier les femmes… » Aucune référence au monde extérieur ne vient contrarier le charme des allégories, portraits, paysages et autres personnages que l'artiste peint. Des couleurs et des motifs d'inspiration orientale (Klimt a été très influencé par le Japon, l'ancienne Egypte et la Ravenne byzantine), un espace bidimentionnel dépourvu de profondeur et une qualité souvent stylisée de l'image, autant d'éléments utilisés par le peintre pour créer une oeuvre séduisante, où le corps de la femme s'expose dans toute sa volupté. A 14 ans, il obtient une bourse d'Etat pour entrer à la Kunstgewerbeschule (l'Ecole viennoise des Arts et Métiers). Très vite, ses talents de peintre et de dessinateur s'affirment. Ses toutes remières oeuvres lui valent un succès inhabituellement précoce. Sa première grande initiative date de 1879 : il crée cette année-là la Künstlerkompagnie (la compagnie des artistes) avec son frère Ernst, et Franz Matsch. A Vienne, la fin du XIXe siècle est une période d'effervescence architecturale. L'empereur François- Joseph décide, en 1857, de détruire les remparts entourant le coeur médiéval de la ville. Le Ring, financé par l'argent du contribuable, est alors construit : de magnifiques résidences y côtoient de superbes parcs. Ces changements profitent à Klimt et à ses associés, leur fournissant de multiples occasions de faire montre de leur talent. En 1897, Klimt, accompagné de quelques amis proches, quitte la très conservatrice Künstlerhausgenossenschaft (Société coopérative des artistes autrichiens) ; il fonde le mouvement Sécession et en prend la présidence. La reconnaissance est immédiate. Au-dessus du porche d'entrée de l'édifice, conçu par José Maria Olbrich est inscrite la devise du mouvement : «A chaque âge son art, à l'art sa liberté. » A partir de 1897, Klimt passa pratiquement tous ses étés sur l'Attersee, en compagnie de la famille Flöge. Durant ces périodes de paix et de tranquillité, il eut l'occasion de peindre de nombreux paysages qui constituent un quart de son oeuvre complète. Klimt exécute des croquis préparatoires à la plus grande partie de ses réalisations. Parfois, il exécute plus de cent études pour un seul tableau. Le caractère exceptionnel de l'oeuvre de Klimt tient peut-être à l'absence de prédécesseurs et de réels disciples. Il admirait Rodin et Whistler sans les copier servilement. En retour, il fut admiré par les peintres viennois de la jeune génération, tels Egon Schiele et Oskar Kokoschka.

Les portraits, les nus et les natures mortes de Tamara de Lempicka (1898-1980) résument l’esprit Art déco et Jazz Age. Ils reflètent le style de vie élégant et hédoniste d’une élite fortunée et glamour dans le Paris de l’entre-deux-guerres. Combinant une formidable technique classique et des éléments empruntés au cubisme, Tamara de Lempicka représente à l’époque le summum de la modernité, tout en s’inspirant de grands maîtres portraitistes comme Bronzino et Ingres. Ce livre célèbre la beauté rationnelle de ses meilleurs travaux réalisés entre 1920 et 1930. Il retrace l’histoire de la vie extraordinaire de cette femme séductrice et talentueuse du début du siècle en Pologne et dans la Russie des tsars, ainsi que celle de ses années glorieuses à Paris et de ses longues années de déclin aux Etats-Unis jusqu’à sa redécouverte triomphante dans les années 70, lorsque ses portraits devenaient des icônes emblématiques mondialement connues.

Tamara de Lempicka et œuvres d'art

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) est l'un des plus célèbres peintres impressionnistes français. Influencé dans ses premières œuvres par Raphaël, et créateur de plus de 6 000 tableaux, Renoir accordait plus d'importance à la figure humaine qu'au paysage. Ses œuvres, enrichies d'une palette exclusive et unique à l'artiste, nous montrent la vie à Paris à cette époque. Son plus grand chef-d'œuvre reste le Bal du Moulin de la Galette.

Gustav Klimt et œuvres d'art

Madone, muse ou tentatrice, les femmes ont été une source d'inspiration artistique tout au long de l'histoire. Dans la série Rêveries, Parkstone rend hommage à la contribution importante que les femmes ont apportée aux artistes en élevant leur esprit et en donnant libre cours à leurs fantasmes. Nous vous invitons à partager l'univers de plaisir sensuel de peintres célèbres tels que Degas et Schiele, et maintenant Toulous Lautrec. Ce nouveau genre de livre d'art offre un aperçu de la vie privée de certains des artistes les plus influents des temps modernes. La série Rêveries se caractérise par des textes brefs, une mise en page sophistiquée et des reproductions de grande qualité. Chaque titre rend hommage à l'œuvre de l'artiste et les mises en page élégantes incluent des images rarement vues. Chaque page bénéficie d'une conception unique et offre un cadre unique à certaines des œuvres les plus sensuelles de ces artistes. Ces publications devraient être considérées comme des œuvres d'art à part entière, un délice pour l'amateur, un enseignement pour le novice, un ajout précieux et bienvenu à toute bibliothèque.

Henri de Toulous Lautrec : Art et intrigue

Egon Schiele (Tulln, 1890 – Vienne,1918) L’oeuvre d’Egon Schiele est tellement singulière qu’elle résiste à toute catégorisation. Admis à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne dès l’âge de seize ans, ce fut un artiste extraordinairement précoce, dont le talent consommé pour le maniement de la ligne, plus que tout autre chose, conférait une tension expressive à toute son oeuvre. Profondément convaincu de sa propre importance en tant qu’artiste, Schiele réalisa plus de choses dans sa jeunesse, brutalement abrégée, que beaucoup d’artistes dans toute leur existence. Ses racines puisaient dans le Jugendstil du mouvement de la Sécession Viennoise. Comme toute sa génération, il tomba sous l’influence écrasante de l’artiste le plus illustre et charismatique de Vienne, Gustav Klimt. A son tour, Klimt reconnut le remarquable talent de Schiele et encouragea le jeune artiste, qui au bout de deux ans, rompait déjà avec la sensualité décorative de son mentor. Amorçant une intense période de créativité vers 1910, Schiele entama un intrépide exposé de la forme humaine – sans oublier la sienne – si pénétrant, qu’il est clair que l’examen auquel il se livrait était plus psychologique, spirituel et émotionnel, que physique. Il peignit plusieurs vues urbaines, paysages, portraits formels et sujets allégoriques, mais ce sont ses oeuvres sur papier, extrêmement candides, parfois ouvertement érotiques, et son penchant pour les modèles trop jeunes, qui rendirent Schiele vulnérable à la critique morale. En 1912, il fut soupçonné et emprisonné pour une série d’atteintes aux moeurs incluant le kidnapping, le viol et la débauche publique. Les accusations les plus graves (toutes sauf celle de débauche publique) furent abandonnées, mais Schiele passa environ trois semaines désespérées en prison. En Allemagne, les cercles expressionnistes offrirent un accueil tiède au travail de Schiele. Son compatriote, Kokoschka, réussissait beaucoup mieux dans ce domaine. Tandis qu’il admirait les artistes munichois du Blaue Reiter, par exemple, ceux-ci le repoussaient. Plus tard, pendant la Première Guerre mondiale, son oeuvre se fit mieux connaître et, en 1916, Schiele fut présenté dans un numéro de magazine expressionniste de gauche, basé à Berlin, Die Aktion, et on finit par l’apprécier. Il fut considéré très tôt comme un génie. Cela lui valut le soutien d’un petit groupe de collectionneurs et d’admirateurs très patients. Néanmoins, pendant plusieurs années, ses finances furent précaires. Il avait souvent des dettes et était parfois forcé d’utiliser du matériel bon marché, de peindre sur du papier d’emballage marron ou du carton, au lieu du papier et des toiles réservés aux artistes. Ce n’est qu’en 1918, qu’il connut son premier succès public notable à Vienne. Tragiquement, quelque temps plus tard, il fut emporté avec sa femme, Edith, par l’épidémie massive de grippe de 1918, qui venait de tuer Klimt et des millions d’autres victimes, et ils moururent à quelques jours d’intervalle. Schiele n’avait que vingt-huit ans.

De l’Antiquité jusqu’au xxe siècle, cette collection de sculptures offre une vision véritablement originale de l’art occidental. Sont représentées ici les oeuvres les plus sensuelles, les plus harmonieuses, jusqu’aux plus provocantes et minimalistes. La sculpture modèle le monde ainsi que notre concept de la beauté, créant sans cesse des silhouettes intemporelles. Ces chefs-d’oeuvre sont le miroir d’une époque, d’un artiste et de son public. À travers cette galerie de sculptures, nous visitons non seulement l’histoire de l’art, mais également l’Histoire. Avec de nombreuses références, des commentaires d’oeuvres et des biographies, l’ouvrage 1000  Sculptures de Génie permet au lecteur de redécouvrir le patrimoine occidental et constitue un guide idéal pour les étudiants et les amateurs d’art.

1000 Sculptures de Génie

Edward Coley Burne–Jones (Birmingham, 1833 – Londres, 1898) Toute l'oeuvre de Burne-Jones peut être comprise comme une tentative de créer par la peinture un monde de beauté parfaite, aussi différent du Birmingham de son enfance que possible, un conglomérat industriel, mugissant, d'une laideur et d'une misère inimaginables. Les deux grands peintres symbolistes français, Gustave Moreau et Pierre Puvis de Chavannes, reconnurent immédiatement Burne-Jones comme l'un de leurs compagnons de route artistique. Mais il est très invraisemblable que Burne-Jones ait accepté ou peut-être même compris l'étiquette de «symboliste ». Pourtant, il semble avoir été l'un des membres les plus représentatifs du mouvement symboliste et de cet esprit «fin de siècle » si largement répandu. Burne-Jones est généralement catalogué comme préraphaélite. En réalité, il ne fut jamais membre de la confrérie formée en 1848. La branche du préraphaélisme dont relève Burne-Jones n'est pas celle d'un Hunt ou d'un Millais mais de Dante Gabriel Rossetti. Le travail de Burne-Jones de la fin des années 1850 est d'ailleurs très proche du style de Rossetti. Son idéal féminin est également inspiré de celui de Rossetti, caractérisé par des chevelures abondantes, des mentons affirmés, des cous longs et des corps androgynes cachés par d'amples robes médiévales. Les mentons affirmés demeurent un trait frappant que les deux artistes utilisèrent dans leurs tableaux de femmes. A partir des années 1860, leurs canons de beauté divergent. Celles de Burne-Jones se font de plus en plus virginales et éthérées, au point que dans certaines de ses oeuvres ultimes les jeunes femmes ont l'air anorexique. Au début des années 1870, Burne-Jones a peint de nombreux tableaux illustrant des mythes ou des légendes dans lesquels il semble avoir tenté d'exorciser le traumatisme de son histoire avec Mary Zambaco. De Constable à Francis Bacon, aucun peintre anglais vivant ne jouit d'une reconnaissance internationale aussi importante que celle dont Burne-Jones fit l'objet au début des années 1890. Sa grande réputation commença à décliner dès la seconde moitié de la décennie et s'effondra après 1900 avec le triomphe du Modernisme. A posteriori, nous pouvons interpréter cette absence de relief et ce détournement de la narration comme les caractéristiques d'un modernisme précoce, les premiers pas hésitants vers l'abstraction. Il n'est donc pas étrange que Kandinsky mentionne Rossetti et Burne-Jones comme les précurseurs de l'abstraction dans son livre Du spirituel dans l'art et dans la peinture en particulier.

Sir Edward Jones, né en 1833 et mort en 1898, fut un maître du dessin, de la peinture sur verre et de la céramique. D’abord inspiré par Botticelli, Mantegna et Michel-Ange, il subit l’influence de Gabriel Rossetti et des premières œuvres préraphaélites. Peu concerné par les détails de la vie quotidienne, il emprunte les sujets de ses compositions aux légendes et à la littérature médiévale. Il produit des œuvres qui idéalisent la femme anglaise de l’époque victorienne. L’ouvrage rend hommage à cette figure du libertinage correct que fut Sir Edward Burne-Jones.

Edward Burne-Jones : Art et intrigue

Der 1872 geborene Aubrey Beardsley war neben Oscar Wilde eine Symbolfigur der Dekadenz, die das Ende der Herrschaft von Königin Victoria kennzeichnete. Beardsley war weitgehend Autodidakt und zeigte in seinen Zeichnungen zunächst den Einfluss der Präraffaeliten wie Burne-Jones und Rossetti. Später nahm er einen radikaleren und innovativeren Stil an, indem er Le Morte d'Arthur von Sir Thomas Malory illustrierte und an der Gründung der Zeitschrift The Yellow Book mitwirkte. Die düstere und erotische Atmosphäre der damaligen Zeit brachte er jedoch am besten durch seine düsteren und erotischen Zeichnungen zum Ausdruck, die er unter anderem für Oscar Wildes Salome anfertigte. Beardsley erkrankte an Tuberkulose und starb früh im Alter von 25 Jahren. Er hinterließ zahlreiche Illustrationen, die einen großen Einfluss auf die Künstler des Jugendstils hatten. Der Autor: In einem originellen Layout erkundet Patrick Bade das zweideutige Universum von Beardsley, dem Künstler des Fin de Siècle par excellence. Mit seinen Illustrationen, die seine Zeitgenossen schockierten, forderte der Zeichner kühn die viktorianische Moral heraus und wurde so zu einem privilegierten Zeugen seiner Zeit.

Sir Edward Jones (1833–1898), ist mit allen Talenten gesegnet: er war Zeichner, Glasmaler und Keramiker. Da Burne-Jones sich nicht viel aus der Realität macht, sucht er sich seine Themen in der mittelalterlichen Literatur. Seine Zeichnungen stellen vielfach ein Ideal, das der englischen Frau des victorianischen Zeitalters, dar. Er bedient sich oft der Legenden und verfügt daher über eine große Ausdrucksfreiheit. Burne-Jones ist ein Künstler, der, wie es eine Ausstellung gezeigt hat, die kürzlich in London stattfand, einer gemäßigten Ausschweifung unterliegt.

Edward Burne-Jones

Gustav Klimt (1862-1918) war zum Ende des 19. Jahrhunderts nicht nur einer der einflussreichsten Künstler, sondern gründete zudem die Bewegung der Wiener Secession. Mithilfe dieser Bewegung übte er Kritik an der traditionellen Kunst, die sich durch ihren Widerstand gegen Veränderungen sowie Intoleranz gegenüber bestimmten modernen Vorstellungen auszeichnete. Klimt ließ sich durch den langsamen aber sicheren Niedergang sowie die Vielfalt der Kulturen der Österreichisch-Ungarischen Monarchie inspirieren. Bei Klimt spielten Erotik und Sinnlichkeit eine sehr große Rolle, und neben Schiele und Kokoschka zählte er zu den großen Meistern des Expressionismus. Das vorliegende Buch vereint eine erlesene Auswahl Klimts bekanntester Gemälde und einen Text, der den außergewöhnlichen Eklektizismus dieses großen Künstlers zu vermitteln vermag.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) ist einer der berühmtesten französischen impressionistischen Maler. In seinen frühen Werken von Raffael beeinflusst und Schöpfer von mehr als 6.000 Gemälden, legte Renoir mehr Wert auf die menschliche Figur als auf die Landschaft. Seine Werke, bereichert durch eine exklusive und einzigartige Farbpalette, zeigen uns das Leben in Paris zu dieser Zeit. Sein größtes Meisterwerk bleibt der Ball der Moulin de la Galette.

Ob Madonna, Muse oder Verführerin - Frauen waren im Laufe der Geschichte immer eine Quelle der künstlerischen Inspiration. Mit der Serie Reveries würdigt Parkstone den wichtigen Beitrag, den Frauen für Künstler geleistet haben, indem sie ihren Geist beflügelten und ihrer Fantasie freien Lauf ließen. Wir laden Sie ein, die Welt der sinnlichen Freuden bekannter Maler wie Degas und Schiele und nun auch Toulous Lautrec zu teilen. Dieses neue Genre von Kunstbüchern bietet einen Einblick in das Privatleben einiger der einflussreichsten Künstler der Neuzeit. Die Reveries-Reihe zeichnet sich durch kurze Texte, ein anspruchsvolles Layout und hochwertige Reproduktionen aus. Jeder Titel ist eine Hommage an das Werk des Künstlers, und die eleganten Layouts enthalten einige selten gezeigte Bilder. Jede Seite ist einzigartig gestaltet und bietet einen einzigartigen Rahmen für einige der sinnlichsten Werke dieser Künstler. Diese Publikationen sollten als Kunstwerke selbst betrachtet werden, ein Vergnügen für den Enthusiasten; lehrreich für den Neuling; eine willkommene und wertvolle Ergänzung für jede Bibliothek.

Henri de Toulous Lautrec: Kunst und intrigen

Gustav Klimt und Kunstwerke

Die Portraits, Akte und Stillleben von Tamara Lempicka (1898-1980) atmen den Geist des Art Deco und des Jazz Age. Sie spiegeln den eleganten und hedonistischen Lebensstil einer glamourösen Elite in Paris in der Zeit zwischen den beiden Weltkriegen wider. Ihre Kunst kombiniert eine hervorragende klassische Technik mit Elementen aus dem Kubismus. Lempickas Schaffen ist der Höhepunkt eleganter Modernität und greift gleichzeitig auf Meisterportraitisten wie Ingres oder Bronzino zurück. Das vorliegende Buch befasst sich mit der rationalen Schönheit ihrer besten Werke in den 1920er und 1930er Jahren und der außergewöhnlichen Lebensgeschichte einer talentierten und schillernden Frau. Sie beginnt ihr Leben zur Jahrhundertwende in Polen und dem zaristischen Russland, dann verbringt sie glorreiche Jahre in Paris und eine lange Zeit des Misserfolgs in Amerika, bis sie schließlich in den 70er Jahren wieder entdeckt wird und ihre Bilder den Status einer Ikone und weltweite Popularität erhalten.

Lempicka 1898-1980

Felicien Rops (1833-1898) ist ein ganz besonderer Künstler. Als hervorragender Kupferstecher und Zeichner verstand es Felicien Rops mit erstaunlichem Talent, den weiblichen Körper mit großer Modernität zu erfassen und zu antizipieren. Indem er sich von den konventionellen Formen seiner Zeit abwendet, schafft der Künstler eine Welt voller Humor, Zärtlichkeit und manchmal auch Frechheit, die das Auge des Betrachters erfreut. Viele der berühmtesten Werke von Rops behandeln erotische und sinnliche Themen, oft mit Aktdarstellungen oder Szenen der Ausschweifung. Auch Elemente des Übernatürlichen und Makabren, wie Skelette oder Dämonen, finden sich häufig in seinen Werken. Einige seiner Werke waren eindeutig politisch oder sozial motiviert und kritisierten häufig die Scheinheiligkeit der Kirche oder des Bürgertums. Insgesamt ist Rops' Kunst komplex, vielschichtig und oft konfrontativ. Sie stellt gesellschaftliche Normen in Frage und überschreitet die Grenzen dessen, was zu seiner Zeit in der Kunst als akzeptabel galt.

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Patrick Bade

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